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Genève : Jean Dubuffet


Jean Dubuffet, « Ontogénèse », 1974-1975: Peinture vinylique sur panneau stratifié. 251 x 316 cm. Don de l’artiste en 1977. Musée d’art moderne André Malraux, MuMa, Le Havre © IVAM, photo Juan García Rosell pour la Suisse © 2020, ProLitteris, Zurich

Jean Dubuffet vient au MEG en quête d’alternative aux courants d’art qui prévalaient en son temps, à l’art élitaire et au snobisme des métropoles qu’il déplore. De plus, il partage plusieurs sujets d’intérêt pour l’ethnographie de l’époque, dont il adopte, ou adapte en quelque sorte les méthodes, et accompagne la réflexion. Hostile à l’autoritarisme colonial, il rejette comme Claude Levi-Strauss toute notion d’art primitif ; il rejette également toute hiérarchie entre les arts. Il se moque des catégories, des champs disciplinaires distincts et autres spécialisations autistiques, pour adopter une approche tantôt transversale et éclectique, tantôt comparatiste, qui entremêle ou entrecoupe matériaux et œuvres qu’il devient difficile de conserver dans des catégories.

De même le MEG souhaite déconstruire son « habitus colonial », qui se révèle par exemple dans les typologies d’objets ou l’approche par continents et régions, et renforcer l’expérimentation, la transdisciplinarité, les collaborations en-dehors du champ traditionnel de « l’ethnographie » du 20e siècle.

Du 8 septembre 2020 au 28 février 2021

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Genève : “L’eau-forte est à la mode”, 1840-1910


Félix Bracquemond (1833 – 1914), « L’Inconnu. La Tortue et le canard », 1862: Imprimé par Auguste Delâtre (1822 – 1907) Edité par la Société des Aquafortistes Eau-forte, état III/III. Inv. E 2011-2137 © Musée d’art et d’histoire, Genève

« Parmi les différentes expressions de l’art plastique, l’eau-forte est celle qui se rapproche le plus de l’expression littéraire et qui est la mieux faite pour trahir l’homme spontané », écrit Charles Baudelaire dans son célèbre article « L’eau-forte est à la mode » paru en avril 1862. Le poète et critique d’art parisien est aux premières loges de ce regain d’intérêt pour une technique séculaire mais demeurée marginale. Traditionnellement réservée à la représentation de paysages par les artistes des XVIIe et XVIIIe s., l’eau-forte suscite à nouveau la curiosité de jeunes artistes désireux de développer une nouvelle pratique. Ces derniers complexifient le processus créatif, jouant avec les lignes, l’encre mais aussi avec le ton du papier pour obtenir des effets et des textures très variés. Grâce à cette maîtrise grandissante, les feuilles réalisées à l’eau-forte s’ouvrent à de nouvelles thématiques plus « modernes », et accèdent dans la foulée au statut d’œuvres à part entière.

L’exposition regroupe plus de 130 œuvres dans un parcours attestant de la variété des sujets et des possibilités esthétiques offertes par l’eau-forte. A découvrir, la Tamise et ses activités portuaires sous l’œil de James McNeill Whistler ou de Francis Seymour Haden ; les paysages poétiques d’Adolphe Appian, James Ensor et Johan Barthold Jongkind ainsi que différents portraits et autoportraits signés Manet, Degas ou Rodin.

Du 4 septembre au 13 décembre 2020

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Zurich : « Paysages »


Joachim Patinir et atelier « Paysage avec saint Jérôme », vers 1520: Tempera sur bois de chêne, 25 x 34 cm Kunsthaus Zurich, Fondation Ruzicka, 1949

Le parcours commence par quelques tableaux du Moyen-Âge finissant, dans lesquels le paysage sert au premier chef à animer une scène biblique (la naissance de Jésus, par exemple) et à la mettre en valeur. Viennent ensuite des paysages de l’art néerlandais et italien du 16e siècle. Le Flamand Jan Brueghel l’Ancien, particulièrement bien représenté, marque le début de la grande époque de la peinture de paysage : au 17e siècle, la peinture hollandaise est la première à porter ce genre vers des sommets inédits.


Hendrick Avercamp, « Paysage d’hiver avec patineurs », début du 17e siècle.: Kunsthaus Zurich, prêt permanent d’une collection privée, 2015

La présentation de la peinture hollandaise de paysage ouvre ensuite sur des tableaux créés à la même époque en Italie. Outre le Dominiquin et Salvator Rosa, représentés chacun par un tableau, on pourra admirer deux splendides peintures de Claude Lorrain, peintre originaire de France mais ayant réalisé l’essentiel de son œuvre en Italie. Quelques paysages italiens majeurs du 18e siècle, par exemple de Bernardo Bellotto, forment le cœur de la présentation.

Avec l’œil d’observateur la perspective s’ouvre sur la production artistique à l’aube du 20e siècle, époque à laquelle les représentants de la modernité entreprennent d’intégrer leurs propres visions au choix des motifs et à la réalisation picturale.

Jusqu’au 8 novembre 2020

4/10

Lucerne : Marion Baruch


Marion Baruch, « Boutique Safari (1) », 2018: Acrylique, 300 x 500 cm, Courtesy the Artist and Galerie Urs Meile, Beijing- Lucerne, Ausstellungsansicht Kunstmuseum Luzern. Photo : Marc Latzel

Il est possible de décrire les césures du XXe siècle en se référant à la vie et à la carrière de l’artiste Marion Baruch (*1929), qui a séjourné en Russie, en Israël, en Italie, en Grande-Bretagne et en France : fascisme, communisme, capitalisme, féminisme, pacifisme, migration, classes, nations, religions, communautés linguistiques, idéologies politiques...

Dans son art, Marion Baruch se penche sur des thèmes de société et s’intéresse aux mondes intérieurs et aux espaces extérieurs.

« Dehorsdedansdehors » est une création de mots de l’artiste qui est immédiatement compréhensible, c’est juste que « dehors » est « dedans »...

Le langage est central dans l’œuvre de Marion Baruch. « Dehorsdedansdehors » désigne la recherche d’une perspective, une disposition expérimentale des mécanismes d’intégration et/ou d’exclusion.

Jusqu’au 10 octobre 2020

5/10

Bâle : « The Incredible World of Photography »


Portraits de peintres et sculpteurs : Pierre Petit, Charles Reutlinger, Pierre Etienne Carjat, Legé & Bergeron, et al., 1860-1875: Albuminabzüge, 33.5 x 43 cm (Seite) © as a collection by Jacques Herzog und Pierre de Meuron Kabinett, Basel. All rights reserved.

Une trouvaille sur un marché aux puces dans les années 1970 a mené à la naissance d’une collection unique au monde qui réunit désormais 500.000 photographies. Aujourd’hui, Ruth et Peter Herzog comptent parmi les grands collectionneurs de photographies à l’échelle internationale. Les fonds de leur collection datent des débuts de la technique photographique en 1839 jusqu’aux années 1970. Ils couvrent ainsi entièrement l’histoire de la photographie argentique, de ses développements et de ses matériaux – plaques, émulsions, produits chimiques, papiers et appareils. Pour le XIXe siècle en particulier, le couple de collectionneurs a fait d’importantes découvertes qui ont permis d’affiner la compréhension de l’histoire mouvementée de la photographie.

La photographie est le médium visuel le plus adapté pour raconter la petite et la grande histoire. Les myriades de chef-d’œuvres anonymes de la collection photographique mettent en lumière une pluralité presque insaisissable de motifs et de thèmes aux quatre coins du monde. Ainsi, aux côtés des illustres pionniers de ce médium – Adolphe Disdéri, Gustav Le Gray, Eugène Atget, Fred Boissonnas, Charles Nègre, Felice Beato – et d’autres éminents photographes – Paul Martial, Hans Hinz – figurent pour l’essentiel des photographes amateurs jusqu’ici inconnus. Ruth et Peter Herzog ont, ni plus ni moins, constitué une encyclopédie photographique de la vie à l’ère industrielle.c

Jusqu’au 4 octobre 2020

6/10

Amsterdam : Le Caravage - Le Bernin


Michelangelo Merisi da Caravaggio, dit Le Caravage, « Garçon mordu par un lézard » (détail) vers 1597/98: Florence, Fondazione di Studi di Storia dell’Arte Roberto Longhi

Cette joyeuse contrepartie italienne à la culture protestante néerlandaise réservée et austère du 17e a été négligée aux Pays-Bas. Ailleurs, cependant, ce courant artistique a déclenché une révolution artistique, et son impact a été ressenti dans toute l’Europe catholique. Les phares du baroque à Rome étaient Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) et le sculpteur Gian Lorenzo Bernini (1598-1680), deux génies autour de qui beaucoup d’autres artistes talentueux affluaient.

Les arts de Rome étaient en plein essor dans les premières décennies du 17e siècle, et en l’espace de quelques années, la ville éternelle a été transformée en un autocuiseur international débordant de nouvelles idées artistiques et d’initiatives. Ce climat vibrant a constitué les conditions idéales pour la naissance d’un nouveau style, qui ne sera nommé « baroque » que beaucoup plus tard - à partir du barocco portugais, pour la forme irrégulière d’une perle naturelle. Plus que jamais, les peintres ont fait équipe avec des sculpteurs, et les figures centrales de cette exposition - Caravage, Bernin - incarnent ce fraternalisme artistique. Ensemble, leurs œuvres racontent une histoire d’immense vigueur artistique à Rome et de renouveau radical dans les arts dans la période approximative de 1600 à 1640. L’exposition sera guidée par des termes clés dans le voca-bulaire artistique de l’époque, tels que l’émerveillement (mera-viglia), la vivacité (vivezza), le mouvement (moto), la plaisanterie (scherzo) et l’horreur (terribilità).


Gian Lorenzo Bernini, dit Le Bernin « Thomas Becker » (détail) (1606/1657/58), Rome, 1637/38: Marbre de Carrare, hauteur 81.6 cm (incluant le piédestal). Londres, Victoria et Albert Museum.

Faits saillants
Les points forts de l’exposition sont le “Narcisse“ envoûtant du Caravage, son “Garçon mordu par un lézard“ et “Le Couronnement aux épines“, et des sculptures berninées telles que l’œuvre précoce rarement exposée “Bacchus“, son poignant “Saint-Sébastien“, le buste de “Méduse“, ainsi que des portraits en marbre saisissants de Thomas Baker et du cardinal Richelieu, et une peinture intitulée “Autoportrait“. D’autres peintures de l’exposition sont de Ludovico et Annibale Carraci, Guido Reni, Giovanni Baglione, les Gentilschis, Nicolas Poussin, Simon Vouet, et l’artiste excentrique Tanzio da Varallo.

D’autres sculptures incluent des œuvres d’Alessandro Algardi telles que son “Sommeil“ en marbre noir, le Fauve dansant Rondinini du sculpteur flamand-romain François du Quesnoy, et le cheval de bronze jamais vu de Francesco Mochi au trot complet.

Jusqu’au 13 septembre 2020

7/10

Paris : « Fuji, pays de neige »

Inspirant de nombreux artistes, le mont Fuji domine le paysage de l’archipel japonais. Cette figure suscite les premières transcriptions de variations atmosphériques par Hokusai, près d’un demi-siècle avant les effets de lumière de Monet et de Sisley.


KAWASE Hasui (1883-1957), « Neige sur le temple Zojoji »: Éditeur : WATANABE Shozaburo. Ère Showa, 1953. Estampe nishiki-e
MNAAG, achat 2015, MA12710 © RMN-Grand Palais (MNAAG, Paris) / Thierry Ollivier

Pur triangle, le Fuji est un élément fort de l’estampe japonaise puis de la jeune photographie. Éternelle sur ses pans, la neige met au défi les artistes d’user du papier laissé en réserve pour transcrire l’étouffement de la nature et de ses bruits, comme le feront aussi, des décennies plus tard, les impressionnistes inspirés par « le pays de neige ».

Les paysages de neige sont une thématique majeure de l’estampe de paysage, de l’ère d’Edo jusqu’aux estampes du shin-hanga.

L’exposition présente plus de 70 œuvres de la très riche collection du musée - dont un ensemble exceptionnel de plusieurs tirages du « Fuji rouge » et un « Fuji bleu » de Hokusai - croise les supports et fait également une part à la photographie.

Jusqu’au 12 octobre 2020

Réservation conseillée sur billetterie.guimet.fr (réservation obligatoire les samedis et dimanches à partir de 13h)

8/10

Crans-Montana/Lens : « Résonances »


Clifford Possum Tjapaltjarri (v.1932-2002, Australie) « Territoire autour du Mont Allan », 1997: Groupe linguistique : Anmatyerre. Acrylique sur toile de lin. Crédit photo © Vincent Girier-Dufournier. Crédit artiste © 2020, ProLitteris, Zurich

Aujourd’hui, les artistes aborigènes rencontreront leurs homologues de la scène internationale contemporaine. La Fondation fait dialoguer les collections des deux sœurs Bérengère et Garance Primat avec plus de 90 œuvres du monde entier.

Soulignant les liens intrinsèques et les thèmes universels portés par les artistes des antipodes, l’exposition propose un parcours en cinq chapitres, chacun exprimant un des principes fondamentaux de l’art aborigène en abordant un aspect du Rêve (« Dreaming »). A travers un dispositif scénographique léger, l’éclectisme des œuvres en termes de matières, de couleurs, de formats impose un environnement qui s’efface à leur profit. Les murs sont noirs, ocres et rouges : les tonalités du désert australien. Les premiers pas du visiteur le plongent dans la nuit, immémoriale, le temps où l’Être primordial est enfoui dans les profondeurs de la Terre. Il découvre les “Récits de terres et de ciels“, puis le “Pouvoir de métamorphose“. Se révèlent ensuite les “Secrets de la Terre Mère“, les “Origines“ et enfin éclate la lumière du jour avec l’apparition de l’ “Être premier“.

Du 14 juin 2020 au 4 avril 2021

9/10

Genève : « L’enfant dans l’art suisse »


Léon Gaud (1844 -1908) « La fille de l’artiste à l’âge de 8 ans », vers 1881: Huile sur toile, 107 x 67,5 cmInv. 1950-0042Legs Louise Gaud, 1950© MAH, photo : F. Bevilacqua

À partir du XIXe siècle, l’art et la littérature commencent à s’intéresser à l’enfant comme sujet à part entière : les artistes se penchent sur cette figure dans tous ses contours, allant de ses aspirations, ses besoins, ses goûts, jusqu’aux aspects les plus intimes de sa psychologie.

En quatre sections – la maternité ; l’enfant en famille ; l’enfant en société ; la souffrance de l’enfant – l’accrochage esquisse l’image de l’enfant avec des tableaux et des sculptures provenant des collections du MAH et rarement, voire jamais montrées, des chefs-d’œuvre d’Agasse à Hodler.

Du 9 juin au 31 décembre 2020

10/10

Lens : « Soleils noirs »


Edouard Manet, « Portrait de Berthe Morisot à l’éventail (détail) », 1874: RMN-Grand Palais, musée d’Orsay © Hervé Lewandowski

Couleur du paradoxe, le noir est-il une absence de lumière, un vide, une somme réjouissante de toutes les couleurs, un éblouissement ? D’emblée, l’exposition immerge le visiteur dans une expérience du noir familière grâce à une salle consacrée à l’un des phénomènes naturels du noir ayant le plus largement retenu l’attention des artistes : la nuit. Quand la nuit tombe, sublime, se lève une terrible beauté (Vernet, Deperthes), un monde sans limite paraît (Fontana).

Archétypal et physiologique, le noir forme un élément structurant mais ambigu de la représentation du sacré, à la fois couleur de tous les commencements, de l’infini, de l’intemporel mais aussi celle de la mort et de l’ignorance. L’exposition explore ainsi l’importance ou l’influence, du noir au cours des siècles.

Ce sujet universel permet de rendre palpable l’histoire des idées, des sciences, comme celle des formes au sein d’une exposition expérientielle et pédagogique. Inspirée du terril plat sur lequel repose le Louvre-Lens, l’exposition rend aussi hommage au passé minier dont les images sont dominées par le charbon et ses traces aux infinies nuances.

Jusqu’au 25 janvier 2021

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