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Paris : Sally Gabori


Sally Gabori « Thundi », 2010: Collection privée, Melbourne, Australie. Photo © Simon Strong

Considérée comme l’une des plus grandes artistes contemporaines australiennes de ces deux dernières décennies, Sally Gabori commence à peindre en 2005, vers l’âge de 80 ans, et atteint rapidement une renommée artistique nationale et internationale. En quelques années d’une rare intensité créatrice, jusqu’à sa disparition en 2015, elle élabore une œuvre unique aux couleurs vibrantes sans attache apparente avec d’autres courants esthétiques, notamment au sein de la peinture aborigène contemporaine.

Réunissant une trentaine de peintures monumentales, l’exposition est réalisée en étroite collaboration avec la famille de l’artiste et la communauté kaiadilt, ainsi qu’avec les plus grands spécialistes de l’art et de la culture kaiadilt. Ils seront présents à Paris à l’occasion de son inauguration pour rendre hommage à cette artiste dont l’œuvre fascine par son caractère spontané, lumineux et profondément original.

Du 3 juillet au 6 novembre 2022

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Lausanne : Achille Laugé


Achille Laugé « L’Hort à Cailhau » 1902: Huile sur toile, 52 x 79 cm. Collection particulière

Artiste profondément attaché à l’Occitanie, dont il est originaire, Laugé fascine par son parcours singulier au sein du mouvement néo-impressionniste. L’exposition, qui réunit près de quatre-vingts œuvres et couvre toute la carrière de Laugé, met en lumière l’originalité profonde de ce peintre du quotidien, mû par une sensibilité exceptionnelle. Raffiné et simple à la fois, il prend pour sujet son environnement immédiat : les alentours de sa maison à Cailhau, les fleurs de son jardin, les portraits de ses proches. Avec sa technique très pure, caractérisée par les trois couleurs primaires juxtaposées en petits points ou en treillis, il s’approprie de manière très personnelle la méthode divisionniste.


Achille Laugé « Fenêtre ouverte à Toulouse » vers 1920-1925: Huile sur toile, 73,5 x 73,5 cm. Collection particulière. Photo Daniel Martin

Issu d’une famille paysanne, Laugé abandonne ses études en pharmacie au profit de l’École des beaux-arts de Toulouse. En 1886, au Salon des Indépendants, Laugé découvre le tableau manifeste de Georges Seurat, “Un dimanche après-midi à l’île de la Grande Jatte“, véritable révélation pour lui. En 1892, de retour à Carcassonne, il se convertit à la couleur pure divisée. Seul devant l’éblouissante lumière méridionale, Laugé s’approprie, au gré de nombreuses expérimentations, la théorie des couleurs de Seurat et de Signac. Affichant un caractère profondément original qui dénote son intuition de la couleur, il réalise de somptueuses natures mortes où les bouquets de coquelicots et de marguerites voisinent avec les fruits mûrs et les branches d’amandiers en fleurs. Achille Laugé exprime cet « art de sensibilité émue » que relève son ami Bourdelle.

L’exposition s’articule autour de thématiques illustrant à la fois le parcours et les sujets de prédilection de Laugé, permettant de replacer le peintre dans le contexte artistique du tournant du 20e siècle et de dévoiler la singularité de cet artiste remarquable.

Jusqu’au 30 octobre 2022

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Évian : « Les Arpenteurs de rêves »


Gustave Moreau « Giotto en berger dessinant dans la campagne près de Florence »: © RMN-Grand Palais (musée d’Orsay) / Tony Querrec

Le musée d’Orsay est riche d’une collection d’environ 55’000 dessins dont plusieurs centaines de carnets et de pastels, dessinés par plus de 6’000 artistes différents. En raison de la fragilité des œuvres sur papier à la lumière, la majeure partie de ces feuilles est conservée en réserve et accessible au public pour consultation aux cabinets des arts graphiques du musée du Louvre et du musée d’Orsay.

Cette collection est à la fois vertigineuse et aléatoire : vertige du nombre, hasard des dons, legs, ventes, des opportunités, des personnalités, des rencontres, de la répartition entre collections nationales, qui permet d’esquisser une histoire de l’art de la période 1848-1914 comparable à un puzzle immense dont il manque toujours des pièces. Les dessins, provenant souvent de l’univers intime des artistes, sont moins connus et moins documentés que les chefs-d’œuvre exposés.

Une exposition hors les murs d’une partie de la collection d’arts graphiques est donc l’occasion de la valoriser et de l’étudier, et de proposer un riche aperçu de la pratique du dessin durant la seconde moitié du XIXe siècle, à travers les aspects variés de ce medium, tant dans les techniques (pastel, fusain, aquarelle, encre, graphite…) que dans les usages (carnets de croquis, projets d’illustrations, belles feuilles de présentation…).

Le fil qui relie les arpenteurs choisis dans l’exposition est le rêve, non pas suivant son sens limité d’activité nocturne durant le sommeil, mais entendu au sens large de vie intérieure, de relation entre subjectivité et réalité, de dépassement du visible, d’onirisme, rêverie et imagination créatrice. L’exposition est une invitation au voyage, moins au voyage pittoresque qu’au voyage-vagabondage dans l’imaginaire poétique des artistes qui pénètrent la « seconde vie » qu’est le rêve et percent « ces portes d’ivoire ou de corne qui nous séparent du monde invisible. » (Gérard de Nerval, Aurélia). Grâce au pouvoir de l’imagination, ils créent « un monde nouveau » apparenté avec l’infini (Charles Baudelaire, Salon de 1859, « La reine des facultés »).

Du 2 juillet au 1er novembre 2022

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Riehen / Bâle : Mondrian


Piet Mondrian « Ferme à Duivendrecht », vers 1916: Huile sur toile, 86,3 x 107,9 cm. The Art Institute of Chicago, don de Dolly J. van der Hoop Schoenberg © 2022 Mondrian/Holtzman Trust. Photo bpk/The Art Institute of Chicago / Art Resource, NY

Avec 89 œuvres provenant de collections privées et publiques en Europe et aux États-Unis, « Mondrian Évolution » retrace le parcours saisissant de l’artiste, de peintre paysagiste du XIXe siècle à l’un des protagonistes majeurs de l’art moderne. Mondrian a joué un rôle important dans l’évolution de la peinture de la figuration à l’abstraction. À ses débuts, il est influencé non seulement par la peinture de paysage hollandaise de la fin du XIXe siècle mais aussi par le symbolisme et le cubisme. Ce n’est qu’au début des années 1920 qu’il commence à se concentrer sur un vocabulaire pictural pleinement non figuratif composé d’agencements rectilignes de lignes noires sur fond blanc et des trois couleurs primaires.

L’exposition offre une rare occasion de découvrir sous un jour nouveau le travail de Mondrian, qui a profondément influencé le 20ème siècle non seulement dans le domaine de l’art mais aussi dans ceux du design, de l’architecture, de la mode et de la culture pop. Il s’agit de la première exposition individuelle consacrée à l’artiste en Suisse depuis 50 ans.


Piet Mondrian « Pommier en fleurs », 1912: Huile sur toile, 78,5 x 107,5 cm. Musée d’Art de La Haye, Pays-Bas © 2022 Mondrian/Holtzman Trust. Photo Musée de La Haye

Différentes sections seront consacrées à des motifs tels les moulins à vent, les dunes et la mer, les bâtiments de ferme se réfléchissant dans l’eau et les plantes, représentés à des degrés divers d’abstraction.

L’exposition est conçue de manière chronologique mais elle tire son expressivité de la confrontation d’œuvres précoces et tardives, qui met en lumière les forces de transformation à l’œuvre dans le travail de Mondrian. Au fil de neuf salles d’exposition, on retrouve des motifs récurrents tels les moulins à vent, les dunes, la mer, les bâtiments de ferme se reflétant dans l’eau et les plantes, représentés à des degrés divers d’abstraction. Dans ses paysages, Piet Mondrian explore l’éclat et le rayonnement de la couleur – ce qui donne à ces tableaux leur apparence extraordinairement lumineuse et vive – ainsi que l’influence de la lumière et l’expérience de l’espace, de la surface, de la structure et des reflets.

Jusqu’au 9 octobre 2022

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Moutier : Niklaus Manuel Güdel


Niklaus Manuel Güdel, « Opera », 2007-2011: de la série « Le Cycle de la mémoire », huile sur toile, 90 x 150 cm © l’artiste

L’opportunité pour le peintre de sanctionner pour la première fois dans un cadre muséal sa double identité d’artiste et d’historien de l’art : son travail approfondi sur un tableau de Goya, dont est issu le tryptique Superstitions, d’après Goya, mais également son installation à l’étage intitulée L’interaction des images, donnent à ressentir l’épaisseur académique fondée sur la reconnaissance de la valeur documentaire et heuristique du passé historique, et l’accent porté sur l’élaboration conceptuelle de l’image, le travail en amont de l’exécution picturale, quant à elle espace de liberté entre gestualité expressive et accidents du hasard.

La figure blanche, emblématique de son œuvre, fait office de fil rouge : elle porte en elle la poétique de l’apparition et la méditation de l’artiste sur la mémoire – celle, subjective, qu’on porte en nous et qui nous constitue ; celle, matérielle, que l’artiste travaille sur la toile par la reprise et le repeint. Elle fût l’enfant de la sérendipité : à la fin des années 2000, Niklaus Manuel Güdel explore son identité de peintre, il réalise des portraits au pastel qu’il découpe avant de coller sur des toiles où la peinture garde en réserve la place que prendra la figure. Et puis un jour, la feuille se décolle et la vision se révèle : cette figure blanche, évidée, signe de l’absence, de l’attente aussi ? elle parvient à évoquer pour l’artiste une solution à la question fondamentale : Comment traduire la porosité du temps en peinture ? Quelle manière picturale pour donner à voir la matière de la mémoire ?


Niklaus Manuel Güdel, « Régatière », 2013: de la série « Le Silence du passé », huile sur papier peint, 70 x 50 cm © l’artiste

Instant charnière dans la carrière du peintre : voilà sa marque de fabrique. Les œuvres réalisées par la suite où se tiennent souvent pensifs, souvent ailleurs, ces figures réalisées au fusain que la peinture à l’huile blanche viendra dissoudre en partie pour créer ce spectre de gris, gardent encore ce goût lointain du collage : si la peinture rend uniforme la couche matérielle, l’aspect visuel des œuvres sont un hommage à l’hétérogénéité cohérente. Ainsi ces apparitions blanches sont les signes visuels de la mémoire – moins visibles au premier coup d’œil, les repeints en sont le pendant technique et matériel. Mémoire en acte, la reprise par la main de l’artiste, le dialogue que seule une vente viendrait interrompre, incarne cette méditation du temps si importante pour lui – je devrais le dire au pluriel, car c’est bien d’une succession de couches, de moments toujours inédits et particuliers qui s’inscrivent l’un sur l’autre, qui intègrent ou qui voilent. C’est une image de la mémoire même, celle qui nous fait devenir ce que nous sommes par reprise, par méditation, par métamorphose – toujours, l’imagination viendra écorner les angles, tisser une toile, jouer au dévoilement, passer une couche blanche d’oubli. À l’occasion de la visite de presse, l’artiste, généreux de ses mots et ses pensées, a laissé surgir toute l’épaisseur de cette réflexion dans une simple phrase : « Comment suis-je devenu moi à travers mes souvenirs ? »


Niklaus Manuel Güdel, « Trois grands peintres », 2022: huile sur toile, 190 x 280 cm © l’artiste

Saisir et immortaliser
D’une toile à l’autre sa vie se déroule en instants fugitifs, capturés dans des photographies privées : l’épouse, l’enfant, les amis, la grand-mère, lui-même dans un autre temps – c’est saisir et immortaliser, c’est rappeler et laisser partir, c’est un adieu et une promesse d’être toujours présent(s). Mais l’artiste est également historien de l’art, et la rencontre de la mémoire individuelle et de la mémoire collective trouve ici son théâtre. Comme un jeu de piste, le regard curieux trouvera d’une toile à une certaine autre la vibration de petits carrés rouges, et quelque part, dans une vitrine, l’arme du délit – une assiette découpée en son centre qui suit l’artiste depuis des années. Carrés rouges sur fond vert comme un outil de contraste, mais pas seulement : il y a là, dans ces humbles signes, à la fois les résidus de rouge sur la palette de Courbet que son couteau vif emportait avec les verts de ses paysages, et le jeu des répétitions auquel s’amusait Hodler. Deux grands peintres que l’historien de l’art connaît sur le bout des doigts, mais deux sources bien différentes pour l’inspiration de l’artiste : « Hodler donne envie de penser, Courbet donne envie de peindre. »

Vinciane Vuilleumier

jusqu’au 13 novembre

6/8

Hauterive : « Entre deux eaux ».


Auguste Bachelin, « La Tène », 1878: Huile sur toile. Laténium, exposition permanente.

La Tène est le gisement de référence de la civilisation celtique, attestée sur la majeure partie de l’Europe. Mais ce site invite aussi à la rêverie. Des hauts-fonds et des eaux peu profondes, des rives fluctuantes et indociles souvent baignées de brumes, où le lac s’écoule dans les méandres d’une rivière au cours changeant… Ce lieu singulier a émerveillé les Celtes, puis les archéologues et les artistes, tout comme les touristes et les amateurs de baignades. Or, depuis plus de vingt-deux siècles, ces eaux indécises ont remué bien des mystères. Deux ponts en chêne enjambant un ancien bras de la Thielle, des ossements humains et animaux, des quantités affolantes d’armes, des parures, des outils … Comment parler, aujourd’hui, de ce site mondialement célèbre, découvert en 1857, dont l’interprétation a alimenté des débats incessants, et qui suscite encore la perplexité de la communauté scientifique ?

Dévoilant pour la première fois la quasi-totalité des trouvailles abritées dans les dépôts du Laténium ainsi qu’une abondante sélection de documents historiques, l’exposition propose une évocation onirique de l’histoire de ce lieu de mémoire.

Ce projet accompagne le renouvellement muséographique du secteur « Les Celtes de La Tène » dans l’exposition permanente.

Le saviez-vous ? Le Laténium est un néologisme archaïsant. Il évoque en effet le site de La Tène qui se trouve seulement à 2 km du musée sis à Hauterive !

Jusqu’au 8 janvier 2023

7/8

Aix : Raoul Dufy


Raoul Dufy « Régates aux mouettes » , vers 1930,: huile sur toile, 81 x 100 cm, Legs de Mme Berthe Reysz en 1975, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, photo : Paris Musées / Musée d’Art Moderne, © Adagp, Paris, 2022

Originaire du Havre, Raoul Dufy est d’abord influencé par les impressionnistes Claude Monet et Eugène Boudin, avant que l’exemple d’Henri Matisse et des fauves ne lui révèle le pouvoir de la couleur et la force du dessin.

C’est en 1908, lors d’un voyage dans le sud de la France en compagnie de Georges Braque, que Dufy arpente les terres cézanniennes de l’Estaque. Alors que Braque adhère au cubisme un an plus tard, Dufy continuera d’explorer l’œuvre de Cézanne jusqu’à la fin des années 1910. Grâce à lui, il parvient à son style propre au début des années 1920 : indépendance de la couleur par rapport au dessin, simplification des formes dans une composition qui refuse toute perspective classique.

Le paysage maritime, entre la Normandie et la Provence, est l’un de ses sujets favoris qu’il associe au thème des baigneuses, des fêtes nautiques, des bateaux... Le bleu devient prépondérant, voire monochromatique à partir du milieu des années 1920.

L’exposition présente des peintures, des dessins et des céramiques sur ces thèmes, ainsi que le travail d’illustrateur de Dufy, d’une rare délicatesse...

Du 6 mai au 18 septembre 2022

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Milan : Joaquin Sorolla


Joaquin Sorolla y Bastida « Biarritz », 1906: Huile sur toile, 62 x 93.5 cm. Madrid, Musée Sorolla

Connu comme le “maître de la lumière“ pour ses toiles irisées, c’est une occasion rare de voir les peintures de Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923).

Sorolla fixe sur toile les plages de la Méditerranée et les personnages qui les peuplent, nous offrant une tranche originale de la Belle Époque. Des paysages marins vifs, des vues sur les jardins et des scènes de baigneuses pour lesquelles il est le plus renommé, aux portraits, paysages et scènes de genre de la vie espagnole, l’exposition permet de découvrir de nombreuses œuvres de Sorolla.

Un artiste qui anticipe les techniques de la photographie en donnant des aperçus sans précédent, protagoniste du luminisme et portraitiste de grande renommée internationale.

Jusqu’au 26 juin 2022

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